Teilnehmende

Filipa Ramos

Filipa Ramos, PhD, ist eine in Lissabon geborene Autorin und Kuratorin, die in ihrer Forschung die Beziehung zwischen Kunst und Ökologie untersucht. Sie ist Dozentin am Institut Kunst Gender Natur an der FHNW, Hochschule für Gestaltung und Kunst Basel und Künstlerische Leiterin von Loop, einem Festival für Filme von Künstler*innen, das sich über verschiedene kulturelle und künstlerische Orte in Barcelona erstreckt. Ramos kuratierte BESTIARI, den katalanischen Beitrag zur 60. Biennale di Venezia (2024), und ist Mitbegründerin des Online-Kinos Vdrome für Filme von Künstler*innen. Gemeinsam mit Lucia Pietroiusti leitet sie das Kunst- und Wissenschaftsfestival The Shape of a Circle in the Mind of a Fish und kuratierte mit ihr Songs for the Changing Seasons für die 1. Klima Biennale Wien (2024) sowie Persones Persons (8. Biennale Gherdëina, 2022). 2021 war sie Mitkuratorin von Bodies of Water, der 13. Shanghai Biennale. Zuvor war sie Chefredakteurin von e-flux Criticism (2013–2020), Associate Editor des Manifesta Journal (2009–2011) und beteiligte sich an documenta 13 (2012) und documenta 14 (2017). Sie ist Herausgeberin von Animals (Whitechapel Gallery/MIT Press, 2016). In ihrem neuen Buch The Artist as Ecologist (Lund Humphreys, 2025) widmet sie sich der Frage, wie zeitgenössische Künstler*innen Umweltbewusstsein und Ökologie in ihre Arbeit integrieren.

Lucia Pietroiusti

Lucia Pietroiusti ist Kuratorin, Programmgestalterin und Strategin und arbeitet an der Schnittstelle von Kunst, Ökologie und Systemen. Als Head of Ecologies an der Serpentine in London gründete sie 2018 die Initiative General Ecology und 2023 die Abteilung Ecologies, um ökologische Forschung und experimentelle Ansätze in Theorie, Infrastruktur und Praxis weiterzuentwickeln. Pietroiusti kuratierte Sun & Sea (Goldener Löwe der 58. Biennale von Venedig und Tour). Gemeinsam mit Filipa Ramos kuratierte sie Songs for the Changing Seasons (Vienna Klima Biennale, 2024) und Persones Persons (8. Biennale Gherdëina, 2022). Sie ist außerdem Kuratorin von Sites of… Practice (E-WERK Luckenwalde, seit 2024), Back to Earth (Serpentine, 2020–22) und Court for Intergenerational Climate Crimes: The British East India Company on Trial von Radha D’Souza und Jonas Staal (2025). Zu ihren jüngsten Publikationen gehören More-than-Human (mit Andrés Jaque und Marina Otero Verzier) sowie The Shape of a Circle in the Mind of a Fish (mit Filipa Ramos).

Prof. Dr. Michael Ohl

"Ich habe Biologie an der Universität Kiel studiert (Zoologie, Meeresbiologie, mit parallelem Philosophie-Studium) und meine Promotion an der Universität Göttingen abgeschlossen (Zoologie mit Nebenfach Wissenschaftsgeschichte). 1997 wurde ich als Kurator am Museum für Naturkunde Berlin berufen. 2010 habilitierte ich in Zoologie, und wurde 2020 zum außerordentlichen Professor an der Humboldt-Universität zu Berlin ernannt. Neben meiner Forschungstätigkeit schreibe ich populärwissenschaftliche Sachbücher und engagiere mich in verschiedenen öffentlichen Formaten wie Ausstellungen (z. B. Darwin-Ausstellung 2009), Film- und Literaturveranstaltungen („Filmwelten der Wissenschaft“). Besonders interessiert mich eine interdisziplinäre Perspektive auf die Naturgeschichte."

Elizabeth A. Povinelli

Elizabeth A. Povinelli ist Akademikerin, Künstlerin und Filmemacherin. Sie ist Franz Boas Professorin für Anthropologie und Geschlechterstudien an der Columbia University, Gründungsmitglied des Karrabing Film Collective und korrespondierendes Mitglied der Australian Academy of the Humanities. Außerdem wurde sie mit einem Ehrendoktorat von der Universität Antwerpen/Antwerp Research Institute for the Arts ausgezeichnet. Ihre acht akademischen Bücher umfassen Geontologies, A Requiem to Late Liberalism (Gewinner des Lionel Trilling Prize) und The Inheritance, ein grafisches Nonfiction-Memoir. Sie hat über zehn Filme mit dem Karrabing Film Collective gedreht. Das Kollektiv hat mehrere Preise gewonnen, darunter den Eye Award des Eye Filmmuseum in Amsterdam, den Visible Award und den Cinema Nova Award für den besten Kurzfilm der Melbourne International Film Festival. Povinellis Einzelzeichnungen wurden in mehreren Galerien ausgestellt, darunter eine Sammlung, die dauerhaft im Museo della Civiltà in Rom ausgestellt ist.

Antoine Bertin

Antoine Bertin verbindet Wissenschaft und sensorische Immersion, Feldaufnahmen und Sound-Storytelling, Daten und Musikkomposition. Seine Kreationen nehmen die Form von Hörerlebnissen, immersiven Momenten und Audio-Meditationen an, die Beziehungen in der lebenden Welt erforschen und Gespräche zwischen Menschen und anderen Spezies gestalten. Seine Arbeiten wurden unter anderem in der Tate Britain, mit Google Arts & Culture, im Centre Pompidou, mit der Serpentine Gallery, beim KIKK- oder STRP-Festival präsentiert und sind dauerhaft im Kielder Forest (UK) und Sferik Art (MEX) installiert. Er produziert eine vierteljährliche Sendung namens „Edge of the Forest“ auf NTS Radio, die Aufnahmen, Sonifikationen und Stimmen zu wissenschaftlich inspirierten Spekulationen vereint. Das Studio von Antoine Bertin befindet sich in Paris (FR) und auf der Insel Alicudi (IT).

Alejandra Pombo Su

Alejandra Pombo Su hat einen Doktortitel in Bildender Kunst mit einer Dissertation über die Paradoxien und Auswirkungen der Einführung des Begriffs „Performance“ in zeitgenössische Kunstpraktiken. Sie hat Residenzen in internationalen Institutionen durchgeführt, darunter das Atlantic Center for the Arts in Florida, Pact Zollverein, CA2M und Tabakalera, um nur einige zu nennen. Ihre Arbeiten wurden auf Festivals, in Museen und Kunstzentren gezeigt, wobei sie zwischen den Bereichen Bildende Kunst, Kino und darstellende Kunst bewegt, darunter das Museo Reina Sofia, die Galeria Municipal do Porto, das Artium Museoa und die Fundação Serralves. In diesem Jahr nimmt sie am DAAD Künstlerprogramm in Berlin im Bereich der Bildenden Kunst teil.

Aslak Aamot Helm

Aslak Aamot Helm arbeitet an der Bildung von Allianzen, Experimenten und Organisationen an der Schnittstelle von Kunst, Wissenschaft, modernen Technologien und Industrie. Er ist Mitbegründer von Diakron, einem Studio für transdisziplinäre Forschung und Praxis, sowie von Primer, einer Plattform für künstlerische und organisatorische Entwicklung, die im globalen Wasser- und Biotechnologieunternehmen Aquaporin angesiedelt ist. Aslak hat kürzlich (2025) ein postdoktorales Forschungsprojekt mit dem Medical Museion (DK), Diakron (DK) und den Serpentine Galleries (UK) abgeschlossen. In dem Projekt mit dem Titel „Re-energizing art institutions at the intersection of art, science and technology“ arbeitete er daran, para-organisatorische Missionen und Strategien an der Schnittstelle von zeitgenössischer Kunst, Biotechnologien, biomedizinischen Wissenschaften und Naturgeschichte zu untersuchen und zu entwickeln. Dies führte zu einer jüngsten Reihe von Arbeiten zu den Konzepten Unterbestimmtheit, Unsicherheit und Unwissbarkeit.

Maria Inés Plaza Lazo

Maria Inés Plaza Lazo ist eine Autorin, Redakteurin und Kuratorin, deren Arbeit sich zwischen Kunst, Politik und kollektiver Veröffentlichung bewegt. Als Mitbegründerin und Redakteurin von Arts of the Working Class hat sie zusammen mit Paul Sochacki eine Plattform aufgebaut, die die kulturelle Produktion durch eine wirtschaftliche und soziale Linse neu denkt und künstlerische Diskurse jenseits institutioneller Grenzen fördert. Ihre kuratorischen und redaktionellen Projekte navigieren an den Schnittstellen von Musik, Performance und bildender Kunst und erforschen, wie die Künste Gemeinschaft, Erinnerung und Widerstand prägen.

Staci Bu Shea

Staci Bu Shea (geb. Miami, 1988) ist eine Kuratorin, Autorin und Sterbebegleiterin, die in Utrecht, Niederlande, lebt. Ihr Fokus liegt allgemein auf ästhetischen und poetischen Praktiken sozialer Reproduktion und Pflegearbeit sowie deren Manifestationen in zwischenmenschlichen Beziehungen und im täglichen Leben, in der Gemeinschaftsorganisation und in institutionellen Praktiken. Bu Sheas neueste Veröffentlichung Solution 305: Dying Livingly (Sternberg Press, 2025) ist eine Sammlung von Kurzessays, die in den ersten Jahren ihrer ganzheitlichen Sterbebegleitung und Praxis geschrieben wurden. Mit einem Fokus auf die Wahrheit der Vergänglichkeit und die materiellen Kulturen des Sterbens und Tods, strebt das Schreiben eine Zukunft mit mitfühlender, gemeinschaftsorientierter Sterbebegleitung an. Bu Shea war von 2017 bis 2022 Kuratorin am Casco Art Institute: Working for the Commons (Utrecht). Gemeinsam mit Carmel Curtis kuratierte sie Barbara Hammer: Evidentiary Bodies im Leslie Lohman Museum of Art (New York City, 2017). Bu Shea hat einen MA vom Center for Curatorial Studies der Bard College (2016).

Revital Cohen and Tuur Van Balen

Revital Cohen und Tuur Van Balen (UK/BE, *1981, leben in London) arbeiten mit Objekten, Installationen und Film. Ihre Arbeiten befassen sich mit Materialien, Prozessen, Verhaltensweisen und Gefühlen, die durch die Massenproduktion von Objekten und Tieren entstehen. Kürzliche Ausstellungen fanden statt in der Mostyn Gallery, Llandudno; Ghost 2565, Bangkok; Serpentine, London; Bodies of Water, 13. Shanghai Biennale; Palazzo delle Esposizioni, Rom; Walker Art Center, Minneapolis; The Renaissance Society, Chicago; Para Site, Hongkong; HKW in Berlin und dem Internationalen Filmfestival von Kongo, Goma. Ihre Werke sind in den permanenten Sammlungen des Museum of Modern Art in New York und des M+ Museums in Hongkong sowie weiterer Institutionen vertreten.

Giles Round

Giles Round (*London) lebt und arbeitet in London und St Leonards-on-Sea. Rounds fortlaufende Untersuchung The Art Direction of the Noguchi Museum (2018–fortlaufend) beschäftigt sich mit der Rolle des Künstlers als integralen Bestandteil von institutionellen und Design-Teams sowie von gesellschaftlichen Infrastrukturen und Organisationen im Allgemeinen. Indem er den kreativen Geist von Isamu Noguchi und die Fragen, die seine Praxis prägten, neu überdenkt und konkretisiert, betrachtet The Art Direction Raum, Form, Umgebung, Stimmung und Zweck als gleichermaßen grundlegende Koordinaten für ein künstlerisches Ergebnis.

Claudia Rankine

Claudia Rankine ist die Autorin von fünf Gedichtbänden, darunter Citizen: An American Lyric und Don’t Let Me Be Lonely: An American Lyric; drei Theaterstücken, darunter HELP, das im März 2020 Premiere feierte (The Shed, NYC), und The White Card, das im Februar 2018 Premiere hatte (ArtsEmerson/American Repertory Theater) und 2019 von Graywolf Press veröffentlicht wurde; sowie zahlreichen Video-Kollaborationen. Ihre Essaysammlung Just Us: An American Conversation wurde 2020 von Graywolf Press veröffentlicht, und ihr jüngstes Projekt TRIAGE wird 2026 bei Graywolf Press erscheinen. Sie ist auch Mit-Herausgeberin mehrerer Anthologien, darunter The Racial Imaginary: Writers on Race in the Life of the Mind. 2016 gründete Rankine das Racial Imaginary Institute (TRII). Zu ihren zahlreichen Auszeichnungen und Ehrungen zählt Rankine den Bobbitt National Prize for Poetry, den Jackson Poetry Prize von Poets & Writers sowie Stipendien von der Guggenheim Foundation, der Lannan Foundation, der MacArthur Foundation, United States Artists und der National Endowment for the Arts. Als ehemalige Kanzlerin der Academy of American Poets trat Claudia Rankine im Herbst 2021 dem Creative Writing Program der NYU bei. Sie lebt in New York. In diesem Jahr nimmt sie am DAAD Künstlerprogramm in Berlin im Bereich Literatur teil.

Jenna Sutela

Jenna Sutela ist eine finnische Künstlerin, die in Berlin lebt. In ihrer Arbeit untersucht Sutela biologische und rechnerische Prozesse, von der menschlichen Mikrobiota über planetarische Ökosysteme bis hin zu Sprache und Code. Ihre Skulpturen, Installationen und Klangstücke beinhalten häufig zufällige Elemente und sich entwickelnde Strukturen: Sie sind sowohl lebendig als auch in Bewegung. Oft arbeitet sie im Dialog mit Wissenschaftlern und interessiert sich dafür, über Individualismus und Anthropozentrismus hinauszugehen, um interdisziplinäre Beziehungen in allen Maßstäben zu betrachten. Ihre Arbeiten wurden international präsentiert, unter anderem im Castello di Rivoli, Turin (2025); Centre d'Art Contemporain Genève (2024); Swiss Institute, New York (2023); Helsinki Biennale (2023); Haus der Kunst, München (2022); Kiasma Museum für zeitgenössische Kunst, Helsinki (2022); Scheringstiftung, Berlin (2022); Shanghai Biennale (2021); Liverpool Biennale (2021); Kunsthall Trondheim (2020); Serpentine Galleries, London (2019); und Moderna Museet, Stockholm (2019). Sutela war Gastkünstlerin am La Becque, MIT und Callie's Berlin. Sie wird 2026 im Finnischen Pavillon auf der 61. Internationalen Biennale von Venedig ausstellen.

Jovana Maksić

Jovana Maksić ist eine Forscherin, die sich mit der Evolution von Sprache und Kognition beschäftigt. Aufgewachsen in Serbien, studierte sie Neurowissenschaften in Shanghai, New York, Berlin und Frankfurt und sammelte dabei Erfahrungen in der Hirnforschung an Menschen, Nagetieren und Primaten. Außerdem führte sie primatologische Feldforschung in der Karibik durch. Derzeit ist Jovana Doktorandin an der Universität Zürich und untersucht die neuronalen Korrelate der Werkzeugherstellung im Paläolithikum sowie die Kognition früher Homininen.

Asad Raza

Asad Raza (geboren in Buffalo, USA) schafft in seinen Arbeiten Dialoge und lehnt disziplinäre Grenzen ab, indem er Kunst als metabolische und aktive Erfahrung begreift. In Immortal Coil nahmen die Teilnehmer Setzlinge mit auf einen Spaziergang entlang der High Line in New York. Prehension (Manifesta 15, Barcelona Metropolitana) ließ den Wind die Stoffe in einem stillgelegten Kraftwerk am Strand zum Leben erwecken. Diversion (Kunsthalle Portikus, 2022) leitete den Main durch die Galerie. Absorption, bei der Landwirte künstlichen Boden schufen, war das 34. Kaldor Public Art Project in Sydney (2019), das später im Gropius Bau in Berlin gezeigt wurde. In Untitled (plot for dialogue) (2017) spielten Besucher in einer Kirche aus dem 16. Jahrhundert in Mailand Tennis. Root sequence. Mother tongue auf der Whitney Biennale 2017 vereint 26 Bäume, Baumpfleger und Objekte. Schema for a school war eine experimentelle Schule auf der Ljubljana Graphic Biennale 2015, gefolgt von Prelude to the Shed, New York (2018). Andere Projekte finden in intimen Räumen statt: The Bedroom auf der Lahore Biennale 2018; Home Show (2015) in seiner Wohnung in New York, wo Raza Künstler einlud, in sein Leben einzugreifen; und Life to come (2019) bei Metro Pictures, mit partizipatorischen Arbeiten und Shaker-Tanz.

Kapwani Kiwanga

Kapwani Kiwangas Arbeit manifestiert sich oft in Form von Installationen, Sound, Video und Performance. Sie verwischt bewusst die Grenzen zwischen Wahrheit und Fiktion, um hegemoniale Erzählungen zu hinterfragen und Räume zu schaffen, in denen marginalisierte Diskurse stattfinden können. Als ausgebildete Anthropologin und Sozialwissenschaftlerin nimmt sie in ihren Projekten die Rolle einer Forscherin ein. Ihre Methodologie umfasst die Entwicklung von Systemen und die Etablierung von Protokollen, ähnlich wie bei wissenschaftlichen Experimenten, um Perspektiven zu definieren, durch die man die Kultur und deren charakteristische Neigung zur Mutation beobachten kann. Afrofuturismus, antikolonialer Kampf und dessen Erinnerung, Glaubenssysteme, Volks- und Popkultur gehören zu den Forschungsbereichen, die ihre Praxis inspirieren. Kapwani Kiwanga wurde 1978 in Hamilton, Kanada, geboren. Sie studierte Anthropologie und vergleichende Religionswissenschaft an der McGill University in Montreal und Kunst an der École des Beaux-Arts in Paris.

Das Projekt wird in Kooperation mit folgenden Partnern realisiert und unterstützt: